PRCSDRS D TXTS es un ciclo de poesía y sonido curado por Victoria Cóccaro que comenzó en 2017. En él se encuentran poetas, músicxs, artistas sonorxs y/o visuales para construir una lectura procesada en vivo por distintos materiales (voz, imágenes, sonoridades, luces, videos) y aparatos (instrumentos, sintetizadores, softwares, aplicaciones). En PRCSDRS D TXTS, la lectura es una práctica colectiva en la que se encuentran, colisionan y agencian cuerpos, sonidos, afectos y sentidos: el lenguaje se muestra como un conjunto heterogéneo de distorsiones y armonías en un espacio de experimentación grupal que inventa, cada vez, nuevos usos de la tecnología y formas de hacer cosas juntxs.

Primera fecha del ciclo, algo comienza. Lo que quería era probar una idea, es decir, una relación: quería poner al texto a trabajar, no con el soporte de la escritura, sino con el soporte sonoro. Para probar una idea hay que exponerla, ponerla en práctica, ver si funciona. En esta primera edición me hago cargo, pongo cuerpo, texto y voz. ¿Qué ocurrirá después? Empieza a funcionar si les funciona a otrxs, si les divierte probarla, si otrxs se relacionan con el registro de esa idea, si el público tiene una idea ahí.

Victoria Cóccaro es poeta e investigadora. Publicó El plan (Colección Chapita 2009); Hotel (Chapita 2012; Gigante 2013), Eléctricos de sombra (Fadel&Fadel 2016); El mar (Lomo 2018; Liliputienses 2020), Decir (Slimbook 2020) y La lógica de la lente (Ascasubi 2021). Sus poemas fueron traducidos al inglés por Rebekah Smith y publicados en The Brooklin Rail. Como bajista, integró la Orquesta Atípica Catalinas Sur y los grupos musicales El pony infinito, Laboratoriosdelfín y Agua Viva, entre otros. Desde 2015 realiza performances sonoras que consisten en lecturas intervenidas y procesadas en vivo de sus propios textos. Es coautora del poema-ópera Decir, estrenado en el Centro de Experimentación y Creación del Teatro Argentino de La Plata (TACEC) en 2019. Doctora en Letras por la Universidad de Buenos Aires, enseña Teoría y Análisis en la licenciatura en Artes de la Escritura de la Universidad Nacional de las Artes.

Matías Laje es psicoanalista y productor independiente de música electrónica. Ha realizado proyectos de experimentación sonora en Argentina, Uruguay, Paraguay, España y Alemania. Dirige el sello discográfico VTC, con el que produce y promociona artistas argentinos de Ambient, Techno, Acid House y New Beat. Con su proyecto Karmen ha editado el EP “PESH” en 2018 y el disco «Hoka Hoka» en 2019 por Analog Texture Records, Colombia. Publicó libros de poemas y la plaqueta de poesía visual Like a Poster (Spiral Jetty, 2011). Enseña Clínica de Adultos en la Universidad de Buenos Aires y actualmente investiga el cruce entre el decir poético y el psicoanálisis.

Marie Gouiric nació en Bahía Blanca, en 1985. Es Profesora de Artes Visuales de vocación y profesión. Publicó las plaquetas Decime qué se siente, se siente hermoso (Belleza y felicidad, 2014) y Pensaba que había un paisaje, pero (Belleza y Felicidad, 2014), los libros de poemas Tramontina (Ed. Vox, 2012), Botafogo (Eloísa Cartonera, 2014), Un método del mundo (Blatt&Ríos, 2016) y la novela De dónde viene la costumbre (Random House, 2019). Además, participó de la antología 30.30 (Editorial Municipal de Rosario, 2013) y ha colaborado en diferentes revistas virtuales e impresas. Actualmente vive en Buenos Aires y trabaja como docente en distintas escuelas públicas de la ciudad.

Josi Arias es música y performer. Con su incansable búsqueda musical que avanza sobre cuerdas, distorsiones, procesos y melodías dificíles de olvidar ha conquistado múltiples escenas en Buenos Aires, Londres y Estados Unidos. Formó parte del trío de postpunk argentino Los Cripis. Actualmente vive en Nueva York donde desarrolla su proyecto solista Agua Viva.

Aldo Giacometti nació en Buenos Aires en 1978. Publicó las nouvelles Qué no hacer (Fadel&Fadel, 2015), La guitarra sin cuerdas (Fadel&Fadel, 2015) y Hm (Blatt&Ríos, 2016). Junto a Tomás Cabado y Santiago Villa realizó Qué no hacer. Variaciones en el marco de conDiT.lab en el cheLA (2015). Trabaja como corrector, traductor y lector para distintas casas editoriales y medios gráficos.

Alma Laprida crea piezas para tromba marina, sintetizadores, lira, grabaciones de campo y objetos como megáfonos, electrodomésticos y juguetes. Trabaja con el sonido explorando los territorios de la composición, la improvisación, la performance y la instalación sonora. Tocó en el MALBA, MUNTREF, MAMBA, CCEBA, Espacio Fundación Telefónica, Una.Casa, entre otros. Realizó instalaciones sonoras en el Teatro Verdi, la galería Valenzuela Kremmer de Bogotá) y en CasaPlan para el Festival Tsonami de Valparaíso. Dio un concierto solista en el Museo de Arte Moderno, fue artista invitada en el Festival Internacional de Musica Experimental de Sao Paulo, Brasil (FIME, 2015) y realizó una residencia en GIS Studio de Audition Records en Ciudad de México (2016).

Además de indagar en diferentes inflexiones de la voz (tonos, murmullos, acentuaciones), los artistas diseñan reapropiaciones de la tradición y (dis)torsiones significativas. El poema de Borges “El amenazado”, retorna, acompañado por ritmos, grooves y samples, como techno y como rap. Mientras que un fragmento de Verme de Leónidas Lamborghini es procesado e intervenido con distorsiones que construyen una voz que parece levantarse de la tierra, donde están esos “últimos pobladores” sobre los que los versos insisten. Hay, también, una cita al siglo XII en los razós de dos poetas provenzales. 

Tomás Fadel (Tunuyán, 1990). Es poeta, traductor y editor. Publicó los libros de poesía Finca (Colección Chapita, 2010; Ese es otro que bien baila, 2011), Miniaturas (Neutrinos,  2013), La Montaña (Fadel&Fadel, 2014), Estar Ahí (Zindo & Gafuri, 2017) y Memética (F&F Slimbooks, 2019). Tradujo, entre otros, a Su Tung P’o (Viñas desmoronadas, Colección Chapita), Louis Zukofsky (“A” 12), Ezra Pound y Ashbery, en El recital de Ashbery (Hoja de Trabajo, 2014). Poemas suyos forman parte de la antología 30.30, poesía argentina del siglo XXI (ES, EMR y CCPE/AECID, Rosario, 2013). Codirigió Colección Chapita, junto a Daniel Durand y Matías Heer. Desde 2014 dirige los sellos editoriales Fadel&Fadel y Lomo. Actualmente desarrolla, junto a Matías Heer y Yamil Julián, el proyecto editorial Slimbook.

Memética: bit.ly/21Qr

https://slimbook.org

j.crowe es artista audiovisual, desarrollador electrónico y docente, con sede en Buenos Aires, Argentina. Desde el 2008 dirige el Laboratorio de Juguete, espacio de divulgación de la electrónica como recurso artístico y educativo. Es integrante del proyecto FLEXIBLE (arte, ciencia & tecnología para la infancia), profesor en la Maestría en Artes Electrónicas (UNTREF), la Especialización en Arte Sonoro (UNTREF) y en el Programa de Posgrado en Teatro de Objetos, Interactividad y Nuevos Medios (UNA).  Ha expuesto, realizado conferencias, talleres y sets audiovisuales en vivo en diversas ciudades de la Argentina, América, Reino Unido y Europa.

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En esta fecha el ciclo presenta una nueva exploración sobre los modos de intervenir una lectura. Si en las fechas anteriores la pregunta que aparecía era por el sonido como aire semántico, en este quinto encuentro María y Magdalena proponen otra forma de intervención que puede resumirse en la pregunta: ¿Lo que ves es lo que escuchás? Como apariciones que batallan con los colores, se oyen los versos de Las plantas verdes de los veranos. 

María Lucesole nació en Lobos (Buenos Aires) el 13 de abril de 1988. Desde 2006 vive en Capital Federal. Es poeta, Profesora de Letras, correctora literaria, editora y estudiante de Bibliotecología. Codirige, junto a Jeymer Gamboa, la revista de poesía Campotraviesa, que circula en papel desde 2014 y organiza, junto a Elisa Palacio, Alejandro Jorge y Ana Inés López el Festival Rural de Poesía de Lobos desde 2016. Actualmente es profesora del Bachillerato Popular Maderera Córdoba y bibliotecaria escolar. Publicó la novela corta Irse (Buenos Aires, Campotraviesa, 2011); los libros de poemas: Las plantas verdes de los veranos (Buenos Aires, Tammy Metzler, 2014), El primer color de la noche (Buenos Aires, Nulú bonsai – La fuerza suave, 2015), En todas las cosas la niebla (Paraná, Gigante, 2016); y los diarios: Flechas lanzadas desde ninguna parte (Buenos Aires, Lomo, 2017). Algunos de sus poemas fueron traducidos al inglés por Noel Black y serán publicados en la antología compilada por Alexis Almeida: It’s in the future.

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Magdalena Molinari (Argentina) es arquitecta y artista visual. Combinando electrónica, programación, luz, color y video, sus trabajos exploran la relación entre sistemas de control y dispositivos espaciales y materiales para crear instalaciones lumínicas recorribles generando experiencias de “visualidad pura”, omitiendo la identificación o asociación a lo conocido. En 2017 realizó una residencia de dos meses en Quebec donde desarrolló un sistema de traducción de video digital a una matriz de puntos de luz. Ha participado de festivales como FASE, SONAR, MUTEK.AR y ha expuesto su trabajo en MACBA, Centro Cultural Recoleta, Muntref, Casa Nacional del Bicentenario, Centro Cultural Rojas, Centro Cultural San Martin, Universidad Torcuato Ditella, CCK, entre otros. Desde hace cuatro años dicta talleres en los cuales se investiga el pasaje de imagen digital a luz y es profesora invitada en la Maestría en Artes Electrónicas de la Untref. Actualmente, su proyecto “El espesor de la atmósfera” está siendo incubado por el programa EscenaLab del Centro Cultural Ricardo Rojas, además, se encuentra trabajando en su proyecto de tesis en el que desarrolla trabajos que integran imagen, materia y espacio a través de la luz natural.

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En esta fecha se unen dos artistas que trabajan con restos: del inconsciente televisado y de sintetizadores y máquinas. Martín es una surte de hacker de nuestro cerebro, aquí lee sus nuevos devaneos mentales, íntimos y a la vez públicos porque son el calco perverso de todo lo que escribimos en las pantallas que enfrentamos día a día. Si el inconsciente está estructurado como un lenguaje, el nuestro quedó en el español retorcido de los doblajes de la tele de los noventa y la invención desenfrenada del rioplatense dosmilero. Epiref, fanático de la construcción y el reciclaje, inventa sintetizadores con todo lo que encuentra. Acá se encuentra el lenguaje, una máquina rota, con máquinas fabricadas con lo roto. 

Martín Dubini nació en Buenos Aires, en 1979. Publicó Glosario privado (Chinatown, 2013) y Alrededor de Shannon (Blatt & Ríos, 2015). Realizó junto a Luis Naón y Leo Balistrieri la obra multimedia Blister (TACEC, 2019).

Epiref (Manuel Osorio), Epiref a.k.a Manuel Osorio, parte y partícipe de la escena under de electrónica y música experimental, pone a circular todo lo que sabe en los talleres que da sobre armado de sintetizadores modulares en el estudio-taller Tercer Brazo. En 2015 editó su disco D.E.B.I.L, por el sello Mun, donde ofrece toda la generosidad de su invención.

Este encuentro amplía su máquina de intervención. La lectura transmuta a otros portales. Será producida/intervenida por tres artistas operando en vivo en un laboratorio de sonidos, imágenes y palabras. Maxi sonoriza y visualiza, con los dibujos de Clarisa, los textos de Adriana. 

Adriana Kogan nació en Buenos Aires en 1983. Publicó el libro El amor pasará montado en la escultura del camello (Pánico el pánico, 2018), las plaquetas Donde estaban sentadas las bases hay un millón de ciervos (Pájarosló, 2007), Las cosas, los patos (Zorra, 2009) y Caja abierta/Caja cerrada (Color Pastel, 2010), y participó de varias antologías de poesía. Es Doctora en Letras, docente e investigadora.

Clarisa Perez Staracci nació en Adrogué en 1985. Desde chica ha realizado variadas actividades relacionadas a la actuación y al dibujo de manera autodidacta. En 2009 se recibe de Licenciada en Arte dramático en la USAL. Ha participado en cortos y obras teatrales, entre ellas «Ezeiza» dirigida por Pompeyo audivert.  Entre 2010 y 2014 formó parte de la banda de cyber punk Hipnoflautas, tocando el teclado, cantando y actuando. Desde mediados del 2014 asiste al taller de Lula Mari donde se dedica a estudiar en profundidad dibujo y pintura al óleo, especializándose en ilustraciones en grafito sobre papel que abordan temáticas relacionadas con la naturaleza, la música y la tradición pictórica clásica, sin dejar de dialogar con una estética gótica. Forma parte del colectivo de pintoras «Las muchas» con quienes expone regularmente. Actualmente coordina las Jams de dibujo en Club Sum y trabaja de manera freelance como ilustradora.

https://www.behance.net/clarisaperf8e8

https://www.instagram.com/clarisa_staracci/?hl=es-la

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Maximiliano Bellmann nació en Paraná en 1976. Vive y trabaja en Buenos Aires. Estudió Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Participó de la Beca Kuitca 2003-2005 y del taller de Diana Aisenberg. Fue Becado por el Centro de investigaciones Artísticas en 2009. Forma parte de Oligatega Numeric, un grupo de artistas que explora intersecciones entre arte, tecnología y  formas de producción colectiva. Sus trabajos suelen incorporar arte digital y electrónico así como animación y objetos. Componiendo espacios y personajes relacionados al imaginario de la ciencia ficción, el arte geométrico y visiones psicodélicas.

Lo que motoriza a este octavo encuentro de PRCSDRS fue la unión de dos obras que exploran modos de ser sensible frente a la tecnología, porque ellxs nos muestran la nostalgia de lo que alguna vez fue el futuro cuando su imaginario todavía se encarnaba en aparatos que nos llevarían a otras dimensiones. Ana Inés lee su libro Futuro mientras Mateo interviene con unas audiovisiones. 

Ana Inés López Malgor nació en 1982 en Lobos, Provincia de Buenos Aires. Publicó Estas deben ser épocas felices pero me daré cuenta mas adelante (Tammy Metzler, 2013); El Campeón existencial (Determinado rumor, 2014); Futuro (Gigante, 2016) y El Principio (Tammy Metzler, 2019). Vive en Lobos donde trabaja como bibliotecaria, organiza junto a otros poetas el Festival Rural de Poesía de Lobos.

Mateo Amaral es un artista multidisciplinario que desarrolla su obra utilizando técnicas como el dibujo y la pintura, animación digital tridimensional, distorsión de video mediante errores de software, exploración del ruido audiovisual y producción de música electrónica. Sus investigaciones lo llevan a experimentar con paisajes audiovisuales hipnóticos, trazando paralelismos entre estéticas digitales primitivas y la construcción individual del modelo de realidad. Toda su obra gira en torno a “Una piedra negra”, un proyecto de largometraje cinematográfico expandido del que surgen cortometrajes, pinturas, instalaciones, piezas de realidad virtual y performances audiovisuales en vivo. En el año 2016 fué ganador del primer premio de Realidad Virtual dentro del premio ITAU a las artes visuales. Además de su obra individual, formó el colectivo artístico Oligatega con el cual en el año 2003 fue becario en el programa de talleres dictado por Guillermo Kuitca y participó de las clínicas de obra de Diana Aisemberg. Su obra fue exhibida en el Centro Cultural de Belgrado (Serbia), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en los festivales ArtFutura, Mutek, Sonar, Robot y Trimarchi, en el Artists’ Television Access (San Francisco, USA), Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España), Art Basel (Suiza) y en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (Buenos Aires).

Paula Peyseré y Paula Trama presentan La opereta de los tres mangos. En la lectura se utilizan voces, melodías, instrumentos, trazos y objetos como un recipiente con mangos del que brota humo. 

Paula Peyseré nació en Buenos Aires en 1981. Es poeta. Publicó ¡España, qué hermosa eres! (2005) en Guacha editora; Las afueras (2007) en editorial Siesta; Predicciones (2012), en Ediciones Presentes; Telepatía (2012) en la editorial digital Determinado Rumor; Todo el tiempo de cero (2015) en Club Hem, y Los ejemplos, en Caleta Olivia (2019).